UN CONSTAT

         Jamais, dans l'histoire de l'Europe, il y a eu autant d'argent  en circulation.  Jamais  la  production artistique a été aussi médiocre et vide de sens  social. Les dirigeants politiques et  industriels  d'une  Europe         barbarisée par la modernité digitale refusent

            de payer le prix juste pour une activité. 

       L'IMPORTANCE DE L'ART POUR L'EUROPE

                           ET SON ECONOMIE

       L'Europe est avant tout une unité culturelle commune.  Elle se définit par son art,  par ses images, par ses musiques,  par sa littérature,  sa cuisine,  etc. , créées par des traditions millénaires dans ses régions et nations.  L'Europe  ne  se  définit  pas  à  partir  des produits industriels de la  supranationalité  moderne.

       L'importance économique de sa production artistique   ne  se  limite  pas  aux  rentrées  générées  par les touristes  du  globe  qui  viennent  admirer  en Europe  la  beauté  des  cathédrales,  la  peinture  des musées,  ou la musique  de  Bach  ou  de  Tchaïkovski dans des salles créées au 19ième siècle  à  Prague ou  à Paris.

    Bien au-delà, la majorité des produits industriels d'usage courant  se  vend  à  travers  le  signifiant,  de traditions picturales créées par les artistes européens au cours des siècles, voire des millénaires. Le motard avec son casque et sa moto argentée au look agressif ne fait que répéter le schéma du chevalier  St George. Ainsi par une réinterprétation  de  l'image,  l'acheteur de la moto réincarne le "bon chevalier", défendant sa blondinette.

Ce sont  les  artistes  plasticiens  de  l'Europe  qui  ont créé ces images à travers desquelles  l'industrie  vend ses produits et ses services.  Car,  dans une économie de marché développée comme  la  nôtre,  la  majorité

   de  la  consommation  est  une  consommation  de

      symboles et donc d'images créées par l'artiste !

                       LA QUESTION FINANCIERE

On prétend que l'Europe est endettée,  qu'il n'y aurait "malheureusement" pas d'argent  pour  les  créateurs ni pour leurs créations.

Ce qui est faux  :  la  Banque  Centrale  Européenne  a créé rien qu'entre 2007 et 2011 une masse monétaire de 5000 milliards d'Euros pour "sauver"  les  banques commerciales.

Un ambassadeur italien "gagne" un salaire de 20000€ par mois alors que son pays  est  endetté  à  135%  de son PIB.

Le moindre  bureaucrate  UE  de  Bruxelles  ne  gagne pas moins de 4000€  par  mois,  pour  quelle  création de plus-value ?

          Alors, pourquoi l'art, les artistes européens devraient-ils vivre aujourd'hui dans des conditions de précarité ? Pourquoi devraient-ils se soumettre au diktat du commerce de l'art, commerce des stars autoprogrammées et par le népotisme abominable de la bureaucratie culturelle européene ?

Le travail d'un artiste plasticien vaut-il moins que celui d'un banquier ou d'un bureaucrate ?

        Le temps est venu d'apporter les solutions de

        rechange !

    Les artistes créateurs européens doivent se faire entendre en démontrant l'importance primordiale de l'art à la population,  et ainsi retrouver une place utile dans la société.

                              STRATEGIE D ' ALE

         Le mouvement pour l'art européen ALE veut

        s'ingérer dans les structures décisionnelles de l'Europe politique.  ALE  participera  au  débat  public.

           Ceci concernera aussi le niveau local des municipalités que national et surtout européen :  les artistes créateurs doivent montrer d'autres choix de

    développement économique de l'Europe unitaire.

      Nous donnerons des consignes de vote lors des élections, nommerons NOS candidats qui défendront

   l'intérêt général  par l'imposition d'une production artistique de qualité.  Spécialement dans les  pays  où les  barrières  électorales  n'existent  plus  comme  en

    Allemagne, il est fort possible de rallier 2% de la population, l'élite culturelle,  autour d'une plateforme politique dédiée  à  l'art. En  France,  il  faut  se  battre pour la proportionnelle  sans  barrière,  permettant  à de petits partis sectoriels de s'exprimer !

Les trois axes de l'action politique d' ALE sont :

    - garantir  un  financement  adéquat  pour  la                 création  artistique  en  Europe.

    - lutter contre toute forme de népotisme et de        corruption,  POUR une présentation publique  

         d'un art libre de contraintes financières et bureaucratiques. Nous  signalerons  au  public  les décisions aberrantes et  abusives,  matérielles  ou intellectuelles, concernant les arts visuels.

     - promouvoir l'échange et la coopération des

     artistes européens en tenant compte de leurs

               traditions régionales et nationales.

Historiquement,  l'art en Europe a toujours été le fruit de traditions locales  en  échange  d'idées  constantes avec l'art des autres régions. 

                 ORGANISATION DU MOUVEMENT

ALE travaille  à  tous  les  niveaux  de  la  vie  politique européenne   :    municipale - régionale - nationale  et européenne.

    Elle  est  organisée  en  bureaux /  responsables  à

    différents niveaux :

- bureau européen : travaille  auprès  des  institutions européennes, et monitoring des autres instances

- bureaux nationaux

- bureaux régionaux

- bureaux locaux (municipaux).

Chaque membre  du  mouvement  peut  se  proposer pour remplir la fonction de responsable  à  un  niveau de l'organisation. Sa fonction sera alors validée par le bureau européen pour un an.

La seule condition de sa participation est de produire un minimum d'actions concrètes  (par ex. sous forme de  requêtes,  d'actions   éducatives   pour   le   public, d'initiative de projet, etc.)

Ainsi,  par exemple,  un  artiste  actif  peut  choisir  de prendre des responsabilités dans telle région ou telle ville parce qu'il en connait  bien  les  structures  et  les acteurs.

Son rôle  serait  alors  de  promouvoir  la  création  de

         l'art dans le sens des trois axes stratégiques  

                  mentionnées dans son "territoire". 

  Il travaillera librement, indépendant des autres

    actifs. Toutefois un échange d'informations et de

               publications des actifs sera effectué

            électroniquement à travers un site web.

Ainsi se  formera  un  réseau  de  plus  en  plus  dense d'actifs défendant les droits de création artistique  en Europe.

                 Fait à Prague le 22 novembre 2014

                       Chris Herdel de Holesowitz

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                      Chris Herdel de Holesowitz

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     REFLEXION SUR LA VALEUR DES IMAGES D'ART

                                CONTEMPORAIN

La situation actuelle  du  marché  des  arts  plastiques est définie par deux facteurs clefs de l'utralibéralisme création monétaire illimitée et répartition inéquitable des richesses monétaires créées.  Ainsi très peu  d'art se vend à la classe moyenne apprauvie par le  régime actuel -apprauvrissement financier ET culturel- et cela à des prix déflationnés.  D'autre part nous voyons  un marché de l'art  florissan t pour  les  nouveaux  riches qui en même temps peuvent être considérés  comme les nouveaux incultes de l'art pictural.

     Comment  expliquer  autrement  la   vente  de gribouillages "drippings" d'un Jackson  Pollock  pour...

   100  millions  de  dollars  par  Sotheby's ?  Dollars inflationnés par  la  politique  d'expansion  monétaire de  la  FED  et  permettant  aux  rapaces  spéculateurs d'acheter   tout,   la   prestigieuse   maison   Sotheby's incluse.

Mais aussi d'autres artistes atteignent des prix jamais imaginés auparavant : un  médiocre  Van  Gogh  à  45 millions,   les   élucubrations   d'un   Modigliani  à  100 millions  (photo 1),  sans  parler   de   l'incontournable Picasso dont les idées et exécutions de talent somme doute  moyen  ont  été  déclarés   chefs-d'oeuvre   par excellence, par   la   momenklatura   culturelle   libéral moderniste.

Scott Reyburn dans un article paru dans International New  York  Times  du  14 . 4 . 2014,  nous  donne  une description   de   la   situation   interprétant    Thomas Piketty : "the immutable dynamic of return on  capital will concentrale half the planets wealth  in  the  hands of 0,1% of the  population  within  the  next  30  years, impoverishing not only the middle  class.  This  would have a profound repercussion on the art trade  which is   already   seeing   a   decline   in   activity   from   its traditional "professional" base. Back  in  the  1990  we had lawyers,  doctors,  dentists  buying  atworks. They have been priced  out  the  market".  A  market  which has  been  taken  by  culturally   ignorant   investment bankers.

D'un  autre  côté,  des   oeuvres   d'auteurs   inconnus mais pas pour autant moins talentueux  sont  vendus à des prix dérisoires tel  ce  paysage  d'hiver, huile sur carton de 1943, à... 60 Euros ! (photo 2)

Ceci  donne  le  tableau  de  la  situation   sociale   des créateurs plasticiens  d'aujourd'hui  en  Europe  "UE" : de  moins   en   moins   de   moyens   financiers   sont introduits  dans  les  circuits  ;   ce   qui   nous   amène forcément  à  une  baisse  sensible  de  la  qualité  des oeuvres.

L'utralibéralisme  a  comme   ultime   conséquence  la disparition de la  culture  de  l'image  européenne  en Europe   -  en  somme  une  forme  d'iconoclastie  par l'argent ! (exemples pris d'expositions d'art d'instituts culturels UE comme l'IFP : photos 3-8)

Ce qui nous emmène  à  poser  la  question  du  sens  des arts plastiques  pour  la  société  et  ainsi  de  leur valorisation équitable.

Cette  question  est  généralement  mal  posée  parce que valeur monétaire signifie  marché  qui  signifie  la rencontre  de  deux  parties,  vendeur-acheteur,  dans un contexte d'équilibre de l'offre  et  de  la  demande. Ceci n'est plus du tout le cas aujourd'hui : un nombre grandissant de créateurs plasticiens se retrouvent en face d'un nombre rétrécissant d'acheteurs potentiels de classe moyenne.

L'accès au big money leur est prohibé par la dictature de  goût  et  de  népotisme  des  clans   ultralibéraux : galleristes,  directeurs   d'instituts   et   de   musée,   la nouvelle masse de  curateurs  méprisant  la  tradition artistique de l'Europe  (en  Europe  "EU",  nous  avons beaucoup de curateurs mais très  peu  de  créateurs), professeurs des  Académies  de  Beaux  Arts,  médias, etc., formant des réseaux et surtout  une  connivence totalitaire sur l'art et sur sa valeur.

Pour cela, il sied de poser la question de la nature  du marché  :  que  l'échange  objet-argent   effectué   par quels acteurs ?

Voyons, pour mieux comprendre, quelques exemples du passé.

Des artistes comme Durer et  Cranach  pouvaient  sur la base de la vente de leurs oeuvres se permettre une vie de classe moyenne   "supérieure".  Ils  avaient  des maisons, pouvaient nourrir leur famille et voyager. Ils pouvaient financer leurs ateliers.

Plus  tard,  à  partir  du  19ième  siècle,  les  choses  se compliquèrent pour un nombre  croissant  d'artistes : leurs   oeuvres  étaient  achetées  par  les  marchands d'art pour peu ou simplement échangées contre de la nourriture dans tous  les  restaurants  de  la  Bohème européenne de l'époque.  Le restaurant de  Camille  à Puteaux  des  années  1920,  en  est  un  exemple.  Ce restaurateur  était  alors  considéré  comme  mécène. Les oeuvres données littéralement pour une bouchée de pain, finissaient dans les galleries d'art  rive  droite puis rive gauche,  prenant  de  la  valeur  monétaire  à chaque fois qu'elles changeaient  de  mains.  L'artiste, quant à lui, ne bénéficiait pas de  tous  ces  échanges. (photo 6)

Après   la   deuxième   guerre   mondiale,  il  y  avait  à nouveau   un   marché   de   l'art    correspondant   au caractère intellectuel de l'Europe de l'époque.  Ceci se reflète dans une liste de prix de  vente  d'une  gallerie d'art   de   Paris   concernant   l'oeuvre   graphique  de Marcoussis,   un  auteur  connu  à  l'époque   dont   la marchande d'art Jeanne Bucher fit la promotion.  Une oeuvre étaient alors vendue à... 60 dollars US,  ce  qui représente   aujourd'hui   environ   3000 USD,   tenant compte d'une inflation de 500% en 50 ans. (photo 9)

3000 USD,  2500  Euros  :  voilà  le  prix  juste  indicatif d'une  telle  oeuvre  moderniste.  Nous  sommes  loin des dizaines de milliers  payés  aujourd'hui  pour  des oeuvres d'art contemporain !

Déjà dans le Paris des impressionnistes, il  y  avait  un système  insidieux  des  galleristes,  marchands  d'art, manipulant  les  prix  à  leur  guise,  et  attribuant  des valeurs artistiques à des oeuvres selon  leurs  intérêts financiers  personnels.  Le  patron  féodal  de  l'ancien régime était désormais remplacé par  les  patrons  du fric et leurs intermédiaires culturels.  Maintenant il ne s'agissait plus de louer la beauté ou  Dieu  par  l'art.  Il s'agissait de pousser les artistes à  produire  plus  vite avec   moins   de   valeur  artistique  intrinsèque  pour vendre le tout au prix maximum. Ce "starsystem" des arts plastiques  prévaut  jusqu'à  nos  jours.  On  peut dire  que  le  charlatanisme   spéculatif   de   la   haute finance  libérale  a  trouvé  sa   correspondance   dans l'image moderne et contemporaine.

En  partant  de   cette   confusion   des   valeurs,  nous chercherons  par  la   suite  à   définir   une   méthode permettant  d'établir  un  "prix  juste"   pour   l'oeuvre d'art visuel, moderne-contemporain :

L'artiste a besoin de survivre  :  il  devra  financer  son loyer, sa nourriture,  éducation,  communicarion,  etc. Ce qui en zone euro  peut  être  chiffré  à  2000  Euros mensuels. Pour  cela  le  prix  de  toutes  ses  oeuvres, correspondant à 160 heures de travail, ne devrait pas être en dessous de cette somme,  selon la théorie  de Karl Marx.  Mais  cette  somme  ne  traduirait  pas  les différences de qualité.  Celles-ci  devraient  être  alors rationalisées et comptabilisées.  Nous  proposons  les critères suivants pour "bonifications", selon la qualité spécifique de l'oeuvre :

    1. la  qualité  iconographique  (originalité  du  sujet,

     recodification de tradictions  picturales  au  lieu  de

     répétition mécanique, etc.)

    2. la transformation de ce concept  iconographique

    en image : composition, qualité des  signes  visuels,

    couleurs, intensité, etc.

    3. technique : innovation,  originalité  ou  répétition

    académique ?

    4. la position de l'oeuvre dans le cursus  de  l'artiste

    (première  oeuvre  ou  oeuvre  tardive,  valorisation

    par rapport à l'ensemble...)

    5. le   "génie"  de  l'oeuvre  :  capacité  d'établir  une

    empathie transcendante.

Cette courte liste de critères nous démontre déjà que la valorisation d'une oeuvre d'art est  loin  d'être  une question  de  goût  ou  de  convictions  politiques  des directeurs d'instituts ou de la caste des "curateurs" et critiques d'art.

Néanmoins ces bonifications compensant une qualité extraordinaire ne devraient  pas  alors  dépasser  une certaine limite  (par exemple le 100% du prix de base) en vu d'une commercialisation dirigée  vers  la  classe moyenne.

Ainsi  le  prix  juste  d'une  oeuvre  contemporaine  de haute qualité  et  produite  en  160  heures  de  travail serait aujourd'hui de  4000  Euros.  Une  aquarelle  de haute  qualité  produite  en  8  heures  devrait   valoir  environ 200 Euros.

Ces prix indicatifs ne  tiennent  pas  compte  des  frais de   commercialisation   et   de   distribution   pouvant facilement doubler les prix indiqués.

Je   reviens   à   la   suprématie    des    intermédiaires, véritables dictateurs du marché.

Ceux-ci     imposent     goût     et     surtout     idéologie ultralibérale    en    renflouant    la    scène    avec    les interminables oeuvres minimalistes  ou  ironiques  ou encore     pseudo  -  transgressions     de     spiritualité douteuse.    Toute     cette     production     n'est     pas discutable dans le  sens  critique  pour  tout  artiste  à vocation intellectuelle contraire à la féodalité  libérale globalisante. Une oeuvre minimaliste non  seulement peut être vendue facilement à un Chinois,  à un Russe ou à un Pygmée  sans  devoir  leur  expliquer  le  sens profond  de  l'oeuvre   ( il  n'y  en  a  pas ! )   mais  plus important   encore,   elle   s'accapare    de    la    scène artistique.

La vacuité dans l'oeuvre d'art contemporain doit  être la norme pour ainsi gommer toute contestation de  la part de ce qui fut l'élite  intellectuelle  en  Europe : les artistes plasticiens. Pensons à un Durer à un Cranach liés à la constestation protestante  (photo  10  Durer : les quatre cavaliers de l'Apocalypse).  Pensons  à  une Rosa   Bonheur,  avant-gardiste,  pour  une  empathie avec  les  animaux.  Pensons  à  un  Goya  décrivant  à travers les désastres  de  la  guerre,  les  désastres  de l'homme !  La vie de la grande pensée   philosophique européenne  transformée  en  image  par  les  artistes plasticiens s'éteint avec les modernistes, minimalistes et ironicistes du régime libéral actuel !

Ces grandes idées  de  l'Europe,  ces  grandes  images ne sont pas produits  à  cause  d'un  marché  de  l'art. Leur économie est de  nature  caritative  ou  solidaire. L'artiste DONNE a priori ses talents à la communauté sans attendre un retour minimal matériel. Comme un médecin, un  viticulteur,  un  cuisinier  donne  son  art avant d'en tirer aussi un bénéfice monétaire.

L'art   pictural   sert   la  communauté  sans  limite  de temps et sans limites sociales (quel produit industriel peut prétendre à  la  même  chose ?)  Une  oeuvre  de Michelange financée par le pire des papes corrompus sert la communauté jusqu'à nos jours ! L'achat (légal) d'oeuvres de maîtres par  Adolf  Hitler  à  la  noblesse italienne   banqueroutière   permet  au  public  de  les admirer dans les musées  jusqu'à  nos  jours.  Cet  art n'est pas fait  pour  durer  comme  l'écrit  Ezra  Pound dans ses "Usura Cantos".

Pour cela l'association ArtLobbyEurope (ALE) propose un salaire minimim inconditionnel à tous  les  artistes plasticiens de l'Europe afin de relancer  la  production d'un art  pictural  correspondant  à  la  nature  et  à  la sensibilité des nations de l'Europe.

Aussi proposons-nous un libre accès  sans  censure  à une  communication  avec  le   public   à   travers   des institutions culturels nationaux (tels que  les  Instituts francais ou les Goethe ou bien encore  les  Cervantes) pourront servir à cette fin, et se mettre au service des créateurs de l'art plastique en Europe.

              Puerto de la Cruz  -  novembre 2014